The Met хвърля нова светлина върху най-големите си хитове и история

Гоя, Караваджо, Рубенс, Веласкес и много други са в светъл блясък в европейските галерии. И музеят признава оформящата сила на изкуството на колониализма, робството, лишаването от права на жените.

Отляво надясно, всички от Жан Оноре Фрагонар: Римски интериор, 1760 г.; Жена с куче, 1769; Откраднатата целувка, 1760 г., в Музея на изкуствата Метрополитън Нов поглед към старите майстори.

В тъмно време окото започва да вижда, пише поетът. И след тъмното, мрачно време, през което преминахме, тазгодишното зимно слънцестоене, отбелязващо началото на бавното изкачване обратно към светлината, може да има повече метафорична тежест от обикновено.

По съвпадение, Метрополитън музей на изкуствата има собствено реставрационно осветление. През последните десетилетия капандурите, които внасяха естествена светлина в европейските картинни галерии, станаха износени и полуфункционални, оставяйки някои пространства полутъмни. През 2018 г. музеят стартира четиригодишен проект за подмяна на всички капандури . Работата изискваше половината от 45-те галерии да бъдат затворени на две фази и части от колекцията да бъдат временно съхранявани или преместени. (Холандските картини на музея се виждат в Робърт Леман Уинг .)



Тъй като половината от новите капандури вече са на мястото си, 21 галерии, съхраняващи около 500 картини и няколко скулптури, бяха преинсталирани и отворени отново. Както се вижда в скорошен облачен декемврийски следобед, новото осветление — естествено с някои изкуствени подобрения — изглеждаше добре, по-малко драматично, отколкото се помни, но равномерно и ясно, вероятно близо до вида на светлина, която художници, работещи в Европа между 1250 и 1800 г , датите, които грубо очертават колекцията, може да са нарисувани.

Образ

кредит...Джина Мун за The New York Times

Проектът генерира и други видове осветление. Кураторският екип, отговарящ за повторното инсталиране, воден от Кийт Кристиансен, председател на европейските картини в Met, се възползва от възможността да преосмисли малко.

В галериите, които някога са били подредени предимно по география и дата, те смесват нещата, за да осветят транснационалния обмен и граничните пунктове. И те признават, на глас, в печат, оформящата сила върху изкуството на социално-политическите реалности - колониализъм, робство, лишаване от права на жените - че този музей почти игнорира в постоянните си експозиции на колекцията.

И е важно те да правят това, не само за насърчаване на разказването на историческа истина, но и за осигуряване и разширяване на публиката за изкуство. През десетилетията забелязах намаляващ популярен интерес към старите майсторски галерии на Мет, някога считани за главната атракция и бижута на короната на музея. Може би тази промяна може да се сведе до промени в училищното образование. Почти сигурно това е страничен продукт на дигиталната култура, която ни държи неумолимо приковани към настоящето. Всъщност обаче социално-политическите теми, повдигнати при преинсталирането на изкуството от миналото, са много на настоящето. Създаването на тази връзка е от съществено значение за привличането на публика в бъдещето.

Образ

кредит...Джина Мун за The New York Times

Както и да е, каквато и да е причината хората да посещават галериите – да разгледат новото осветление, да опитат неочаквани (в Met) идеи или да хванат някои от най-великите картини на планетата – е правилната причина.

Промените не са очевидни веднага. Камбузът с висок таван в горната част на Голямото стълбище не е официално част от преинсталирането. Посветен на венецианския художник от 18-ти век Джовани Батиста Тиеполо, той е декорация, предмет на музей, който в крайна сметка е Tiepolo-Central. Тук има повече негова работа, отколкото където и да е извън Венеция. Далечната гледка на неговите огромни картини на ангели и богове, облегнати върху купести облаци, има за цел да ви издърпа нагоре по стълбите, до небето, и те го правят. Защо да променяте печелившо нещо?

Иновациите започват точно отвъд, в галерия, която някога е била ясен модел на италиански барокови картини, но сега има по-специфична тема: Бароков Рим. През 17-ти век Рим е магнит за художници от цяла Европа, жадни за контрареформационни комисии. Много бяха италианци; Караваджо, Гуерчино и Гуидо Рени са тук. Но също така е и младият Веласкес от Мадрид и с очарователна малка снимка на младата Дева Мария, Франсиско де Сурбаран, който никога не е напускал Испания, въпреки че римският барок се филтрира до него там.

Образ

кредит...Джина Мун за The New York Times

В следващата галерия, наречена Живопис като огледалото на природата: 1420-1480, северът и югът се срещат в изящна подредба от портрети, изстреляни с глава. Някои са италиански, други холандци, като разликата е следната: италианските портрети представят хората такива, каквито вероятно биха искали да бъдат видени, с гладка кожа и тонизирани; северните ги показват такива, каквито всъщност са били, стърнища, намръщени линии и всичко останало. В известните двойни портрети на Ханс Мемлинг на Томазо и Мария Портинари - флорентинци, живеещи в родния град на художника Брюж - двата подхода се сливат. Всяка лицева гънка се отчита и седящите са красиви.

15-ти век беше подвижно време за култура. Изкуството и влиянията пътуваха бързо и широко. По време на живота на Мемлинг работата му достига до Италия, Франция, Англия и Полша. Картината на базиран в Брюж художник от по-старо поколение, възвишеният Ян ван Ейк, беше хит в Неапол, където може би е вдъхновила родения в Сицилия Антонело да Месина да поеме и овладее холандската среда на маслената живопис.

Образ

кредит...Джина Мун за The New York Times

Изкуството на Антонело е извън категорията, стилистично и експресивно. Неговата картина с дължина до бюст „Христос, увенчан с тръни“, от около 1470 г., е едновременно фантастична и специфична за портрета. Лицето на Христос има избитите черти на боксьор, който е загубил битка, и умолителния поглед на обречен човек, който току-що напълно е разбрал съдбата си. Едно от най-странните и най-движещи се изображения в ранните европейски фондове на Метрополитена, то е неоткриваемо по всякакъв начин, извън всеки, който води до този исторически разказ на изкуството.

Met предпочита такива разкази – повечето големи, широки музеи – и се придържат към тях в раздели от новата инсталация. След галерията с портрети от 15-ти век идва още една, съсредоточена върху религиозни мотиви (Антонело е тук), споделяни от художници в Европа преди Реформацията. И това е последвано от витрина на луксозни флорентински стоки за дома: брачни сандъци, буркани с майолика и възпоменателни чинии. (Родната плоча на Лоренцо Великолепния, украсена от по-младия художник-брат на великия Мазачо, е в центъра.)

След това изведнъж има прекъсване във времевата линия. Пристъпвате от Италия от 15-ти век към Франция от 18-ти век и света на рококо на Фрагонар и Вато. Това е свят на особена деликатност и - в снимки като Жената с куче на Фрагонар - самозабавен остроумие. И, както е дестилирано тук, се чувства, въпреки цялата си градскост, вакуумно опакован: изцяло френски, през цялото време. (Галерия с британско изкуство от 18-ти век има подобно усещане като културно затворена система, островно изкуство.)

Излизайки от него, вие правите още един скок, този обрат към паневропейския барок. И в този момент кураторите наблягат на въпроса за расата в текст на стена от два параграфа, озаглавен Робство, раса и идеология в Европа от седемнадесети век. Това в никакъв случай не е единственото споменаване. Текстовете в ренесансовите галерии се отнасят за поробени африканци в Антверпен и Флоренция от 15-ти век. Отделни етикети тук-там отбелязват появата на черни фигури в картини, изобразени като влъхви в сцени на Рождество Христово или като слуги в луксозни портрети.

В контекста на интензивното повишаване на съзнанието на Black Lives Matter през последните години, всичко това изглежда като мек, закъснял жест. Но в музей, който в постоянните си експозиции на колекцията е почти ням по темата за расизма, той поне започва разговор. Същото прави и галерия, фокусирана върху жените художници, или върху шепа, които създават кариера в Париж след Френската революция. Кариерите им са имали вградени граници. Мъжете са направили важно изкуство: историческа живопис. Жените бяха ограничени до по-малки жанрове като натюрморт и портрет.

Образ

кредит...Джина Мун за The New York Times

И все пак Лесър създава две от най-трогателните изображения на Мет от 18-ти век: монументалния автопортрет на Аделаида Лабил-Гиард от 1785 г. с две ученици, Мари Капе (1761-1818) и Мари Маргерит Каро дьо Розмонд (починала през 1788 г.) Интимният портрет на Брун на 7-годишната й дъщеря Джули, която гледа собственото си отражение в ръчно огледало.

Страхотно и двете. Картината на Vigée Le Brun, изследване на изгряващото самосъзнание, пристигна в Метрополитена по завещание едва миналата година. Картината на Labille-Guiard, която се застъпваше за равенството на жените и предаваше убежденията си на следващото поколение, е в колекцията от 50-те години на миналия век и периодично я проследявам, само за да намеря поправката на сияещия й оптимизъм.

В крайна сметка, най-голямото удоволствие от връщането на европейските галерии за живопис - всичките 45 ще бъдат отворени отново през 2022 г. - е възможността да посетите отново приятели, много отдавна познати, някои нови. Всички имаме своите фаворити. От тези, които сега се виждат в ремонтираните пространства, ще спомена само няколко от моите.

Образ

кредит...Джина Мун за The New York Times

диптихът на Ян ван Айк „Разпятието“; Страшният съд от началото на 1440-те (Галерия 602) със сигурност е един. Той компресира цели вселени, естествени и морални, в два тесни дървени панела.

Обичам малкото, безупречно последно причастие на Свети Йероним на Ботичели (Галерия 606). Датираща от 1490-те години, тя дойде късно в кариерата на художника. Дотогава той е преминал през изцеждането, емоционално и духовно, но тук изглежда разрешава всички страдания в образа на благодатта в края на живота.

Същото може да се каже и за друга късна снимка, автопортретът на Питър Пол Рубенс в почти натурален размер със съпругата му Хелена Фурмент и малкия им син Франс (Галерия 617). Самостоятелна поръчка, вероятно е направена около 1635 г., когато Рубенс е в края на 50-те си години, а Елена, втората му съпруга, е близо 40 години по-млада. Той я гледа така, сякаш не може да повярва, че е там, стои до него, с мека бяла ръка върху грубата му ръка и свети като лампа. Те минават през портите на тяхната градина в Антверпен, която той е превърнал в рай. Но влизат ли или излизат? Невъзможно да се каже.

Образ

кредит...Джина Мун за The New York Times

Аз съм дългогодишен почитател на изследването на Йоханес Вермеер от края на 60-те години на миналия век за млада жена, сега част от In Praise of Painting: Dutch Masterpieces at the Met in the Lehman Wing. Някои портретни седящи се оказват сковани или нацупени. (Много от Антонело изглеждат като сериозни размирници.). Младата жена на Вермеер, с нейното голо чело и широко поставени очи, предполага приятелски настроен, готов за парти E.T., някой, когото бих искал да познавам.

Когато Met купиха Мадона с младенеца на Дучо ди Буонисеня (Галерия 624) за 45 милиона долара през 2004 г., някои вежди се повдигнаха. Прекалено много пари! Грешно. Струваше си всеки цент и сега е безценен. Датиран на около 1300 г., той е приблизително с размерите на iPad и е боядисан в темпера и злато. В него младенецът Исус отмества воала на майка си, за да може да види тъжното й лице. Очите им се срещат. И двамата знаят предстоящата история.

Картината може или не може да е направена за частно поклонение. Точният му произход е неясен, но можем да видим, че е бил обект на ревностно внимание. По рамката му все още се виждат тъмни следи от олтарни свещи. И днес в Мет все още излъчва всякаква светлина.

Образ

кредит...Джина Мун за The New York Times

Нов поглед към старите майстори през пролетта на 2022 г. Метрополитън музей на изкуствата, metmuseum.org, (212) 535-7710. В похвала на живописта: Холандски шедьоври в Met, продължава. Моля те, провери уебсайт на музея за протоколи за безопасност и насоките за обществено здраве на града, преди да планирате пътуване.